“Ci sono storie che non hanno bisogno di una trama. Prima o poi, si elevano al di sopra della confusione e districano i loro misteri in una serie di parole. “- Patrice Nganang. Ogni volta che senti qualcuno dire: “Amico, quel film non aveva alcuna trama!” il presupposto è che il film faccia schifo. E generalmente vale anche per questo. Non sempre però.
Una “trama” è un termine letterario che definisce l’ordine degli eventi in una storia (raccontata attraverso qualsiasi mezzo) attraverso una sequenza correlata. Ideare una trama è uno dei primi passi per fare un film e uno molto importante. Molti registi visionari hanno reso straordinarie le storie semplici semplice semplicemente modificando la trama (‘Memento’ di Nolan o ‘Irréversible’ di Gaspar Noé sono ottimi esempi). Ma poi ci sono quei registi che gettano fuori dalla finestra la visione convenzionale del “cinema con una trama coesa” e riescono ancora ad affascinare i cinefili, che si tratti di immagini surreali, dialoghi contemplativi, personaggi carismatici o tutto quanto sopra. Ecco un elenco dei migliori film senza trama o trama.
10. Caffè e sigarette (2003)
‘Coffee and CIgarettes’ è un film antologico composto da 11 segmenti collegati da, avete indovinato, caffè e sigarette. Il tema del film è l’assorbimento nelle ossessioni, gioie e dipendenze della vita. Le brevi vignette in bianco e nero si basano l’una sull’altra per creare un effetto cumulativo, mentre i personaggi discutono di cose come i ghiaccioli alla caffeina, Parigi nel 1920 e l’uso della nicotina come insetticida – il tutto mentre si siedono intorno a bere caffè e fumare sigarette.
Più che i piaceri del titolo, ci sono innumerevoli fili comuni tra vignette, come la bobina di Tesla, le conoscenze mediche, il suggerimento che il caffè e le sigarette non fanno per un pasto sano (generalmente il pranzo), i cugini, il delirio, i problemi di comunicazione, i musicisti, le somiglianze tra musicalità e abilità medica, la musica industriale, la fama riconosciuta e l’idea di bere caffè prima di dormire per avere sogni veloci. In ciascuno dei segmenti del film, il motivo comune dell’alternanza di piastrelle bianche e nere può essere visto in qualche modo, sottolineando il tema dei contrasti interpersonali, poiché ogni vignetta presenta due persone che non sono completamente d’accordo ma riescono a sedersi amichevolmente allo stesso tavolo. Uno sforzo unico in più di un modo.
9. Corda (1948)
Questo sforzo di Alfred Hitchcock viene spesso oscurato dai successivi capolavori senza pari ed emozionanti creati dall’autore visionario. E vergognosamente, perché mentre artisti del calibro di “Vertigo” o “Psycho” hanno brividi senza cappuccio, “Rope” cattura la tensione palpabile mostrando i manierismi di due colpevoli di omicidio in tempo reale nel corso di una cena serale.
In ‘Rope’, due brillanti giovani esteti, Brandon e Phillip, strangolano a morte il loro ex compagno di classe David, nel loro appartamento, come esercizio intellettuale; volendo dimostrare la loro superiorità commettendo il “perfetto omicidio”. Quindi procedono a tenere una piccola cena. Tra i suoi invitati ci sono il padre di David, la fidanzata e il loro professore, che una volta aveva discusso i concetti intellettuali dell’Übermensch di Nietzsche e l’arte dell’omicidio di De Quincey con i due. La loro iniziale compiacenza porta presto all’isteria, ed è qui che Hitchcock scatena la sua intricata brillantezza tecnica, che è il momento clou del film.
Il film è composto da diverse riprese lunghe e ha tagli rari, poiché la telecamera esegue continuamente panoramiche e tracce direttamente negli oggetti, mascherando i tagli per dare un’illusione di scatti continui. Ad un certo punto, la telecamera si concentra per un minuto e mezzo su un oggetto inanimato con un solo personaggio visibile che si muove avanti e indietro vicino ad esso, inzuppandolo in sospeso, lasciando anche il più calmo e raccolto degli spettatori sul bordo del loro sedile, mordendosi le unghie. L’interpretazione di John Dall dello snob Brandon e il solito atto virtuoso di Jimmy Stewart sono un degno bonus. Un must-watch per qualsiasi cinefilo.
8. Slacker (1991) ·
Il debutto di “The Ambassador of Cinema Beyond Plot” di Richard Linklater, ‘Slacker’ segue un solo giorno nella vita di un ensemble di bohémien e disadattati per lo più under 30 ad Austin, in Texas. Il film segue vari personaggi e scene, senza mai stare con un personaggio o conversare per più di qualche minuto prima di prendere qualcun altro nella scena e seguirlo. I personaggi includono Linklater come un passeggero di taxi loquace, un appassionato di UFO che insiste sul fatto che gli Stati Uniti sono stati sulla luna dal 1950, un teorico della cospirazione jfk, un anziano anarchico che fa amicizia con un uomo che cerca di rapinare la sua casa, un collezionista di televisori seriali e una donna hipster che cerca di vendere un pap test di Madonna.
La maggior parte dei personaggi è alle prese con sentimenti di esclusione sociale o di emarginazione politica, che sono temi ricorrenti nelle loro conversazioni. Discutono di classe sociale, terrorismo, disoccupazione e controllo governativo dei media, fornendo una visione più approfondita della vita che il cinema può. Essendo il primo assaggio al mondo del genio scatterbrained di Linklater (che presenta altre due volte qui), ‘Slacker’ è originale, divertente, inaspettato e incessantemente coinvolgente.
7. Lost In Translation (2003)
‘Lost In Translation’ di Sofia Coppola può essere definita una storia d’amore, quasi. Una riflessione sul modo in cui ambienti alienanti possono mettere insieme persone improbabili e forgiare relazioni inaspettate e intense, evoca anche la dolce agonia di sentimenti non articolati con perspicacia e maturità. Allo stesso tempo, è uno sguardo umoristicamente attento e freddamente divertito sul Giappone contemporaneo (che a volte rasenta lo stereotipo) e su come uno straniero lo affronta.
Bob Harris (Bill Murray), come un attore anziano in un matrimonio infelice, e Charlotte (Scarlett Johansson) come una laureata in filosofia di 25 anni che sente che la sua vita manca di direzione, sono i due grandi fulcri di questo puzzle mentre si incrociano più e più volte nella città aliena di Tokyo, alla fine legandosi per il loro sconcerto al riguardo. E da qui, questa improbabile coppia sviluppa uno strano, quasi indescrivibile legame che viene esplorato per tutto il film. E Murray e Johansson interpretano abilmente i loro ruoli con sottigliezza e moderazione, elevando così questo film dall’essere un pezzo di umore colloquiale a un’esperienza indulgente con una solida gamma emotiva.
6. La storia diritta (1999)
Nel 1999, David Lynch si è preso una pausa dalla realizzazione dei suoi film surrealisti per creare questo dramma biografico che segue essenzialmente il vecchio Alvin Straight, che ha guidato un trattore da prato John Deere per 240 miglia per fare ammenda con suo fratello, che ha avuto un ictus. Prima di scorrere frettolosamente verso il basso pensando: “Come può un vecchio in sella a un tosaerba per 200 miglia portare a un buon cinema?” Lasciate che vi fermi e vi dica, è esattamente qui che si trova la genialità insolita di ‘A Straight Story’.
Sì, probabilmente all’inizio del viaggio di Alvin, non ti preoccuperai di guardare oltre il vecchio che guida lentamente, ma come il bellissimo paesaggio di campagna, la colonna sonora dolce, gli incontri con un mix di estranei bizzarri e gentili lungo la strada (alcuni così gentili che non crederesti che siano reali se non sapessi che questa era una storia vera) e, soprattutto, il passato di Alvin si dipanano, il film si trasforma in una relazione intima, e quasi ti ritrovi a fare il tifo per Straight mentre raggiunge la sua destinazione. I dialoghi, pur non rasentando mai il filosofico, lasciano anche un segno duraturo. E il modo semplice, bello e non troppo sentimentale in cui finisce è straziante. ‘A Straight Story’ cresce su di te.
5. Il club della colazione (1985)
Chi avrebbe mai pensato che uno dei film di formazione più celebrati di tutti i tempi avvenga nell’arco di un solo giorno di scuola? Cinque adolescenti, provenienti da 5 cricche di liceo, in una detenzione. Questa è l’intera trama di “The Breakfast Club”, ma è uno sguardo caldo e perspicace sulle vite incasinate di tutti gli adolescenti, che siano la regina di bellezza, un topo di biblioteca, un burlone, un emarginato o il ribelle, il che rende questo un classico degli anni ’80.
Il tema principale del film è la costante lotta di un adolescente per essere compreso dagli adulti e da se stessi. Esplora la pressione esercitata sugli adolescenti per adattarsi ai loro regni di costrutti sociali delle scuole superiori, così come le alte aspettative dei loro genitori, insegnanti e altre figure di autorità. In superficie, gli studenti hanno poco in comune tra loro. Tuttavia, man mano che la giornata avanza e gli stereotipi ovvi vengono abbattuti, i personaggi entrano in empatia con le lotte reciproche, respingono alcune delle imprecisioni delle loro prime impressioni e scoprono che sono più simili che diversi, lasciando così lo spettatore con un sentimento sfocato e buono e una visione diversa nei confronti dei typecast da portare a casa.
4. Stordito e confuso (1993)
Il secondo lavoro di Linklater “Dazed and Confused” ha fatto per il 1970 quello che “American Graffiti” di George Lucas ha fatto per il 1960, “The Breakfast Club” di John Hughes per il 1980 e “The Perks of Being A Wallflower” ha fatto per gli anni 2000 – dare un ritratto appropriato della psiche adolescenziale. Ma nessuno di questi riesce ad essere così esplosivo come “Stordito e confuso”. Il film segue un gruppo di adolescenti delle scuole superiori (e Matthew McConaughey) nel corso di una notte dopo l’ultimo giorno di liceo nel Texas del 1976.
Mentre “Dazed and Confused” non è strutturalmente ambiguo come “Slacker”, vaga da un posto all’altro come se la telecamera fosse una persona che esce con gli adolescenti, portando con sé lo spettatore. Con l’accurata rappresentazione dei riti delle scuole superiori che qualsiasi americano che andasse a scuola negli anni ’70 garantirebbe (se IMDB deve essere creduto), un eccellente cast d’insieme, molti dei quali sono star ora, una riga mcConaughey cita fino ad oggi (Alright, Alright Alright!) e una colonna sonora rock killer che renderebbe fangasm amante del rock classico degli anni ’70 (posso garantire per questo!), ‘Dazed and Confused’ è un’altra delle gemme osservanti di Linklater.
3. L’albero della vita (2011)
Nel 2011, quando ‘The Tree of Life’ è stato presentato per la prima volta al Festival di Cannes, ha diviso il pubblico proprio nel mezzo. Alcuni lo hanno definito un capolavoro, mentre altri lo hanno etichettato come un esperimento eccessivamente indulgente. Ma abbastanza presto, la bellezza del film ha ottenuto un riconoscimento entusiastico. Vincitore della Palma d’Oro a Cannes. Uno dei soli tre film del 21 ° secolo che è entrato nella Top 150 della lista Sight and Sound dei più grandi film di tutti i tempi. Inserito nella lista del leggendario critico Roger Ebert dei 10 migliori film di tutti i tempi. Questo film ha ottenuto tutto. E la ragione di questo è che “L’albero della vita”, come il buon vino, migliora con l’età. Ogni re-watch porta avanti una nuova percezione al riguardo.
The Tree of Life’ approfondisce la mente di Jack O’Brien (Sean Penn), un architetto di Houston, riflettendo sui suoi anni d’infanzia a Waco, intervallati da immagini surreali sull’origine della vita, che è evocativa come la poesia visiva può ottenere. E attraverso i frammenti di ricordi della madre amorevole e premurosa di Jack, del suo padre disciplinare e della crescita di suo fratello minore, il regista Terrence Malick ci porta nel nostro paradiso nostalgico. Questo semplice ricordo è ulteriormente esaltato da Malick, che (con il suo incredibile direttore della fotografia Emmanuel Lubezki) esplora l’origine dell’universo, l’evoluzione degli esseri umani e persino una visione di Dio in modo vivido e fantasioso. In effetti, ogni fotogramma di “The Tree of Life” è così meticolosamente realizzato che puoi mettere in pausa qualsiasi scena e appendere quella cornice alla parete. E non impantanarlo con una trama convenzionale è stato un colpo da maestro di Malick.
2. Prima del tramonto (2003)
Richard Linklater, come il nostro articolo precedente, sembra solo migliorare con l’età. E il posizionamento cronologico delle sue tre voci in questa lista è una prova appropriata. Dopo aver realizzato i due classici cult di cui abbiamo parlato in precedenza, Linklater ha iniziato una troika di film che hanno ridefinito il modo in cui il romanticismo è stato mostrato nel cinema. ‘Before Sunset’ è il secondo e ampiamente considerato il migliore di questa trilogia magistrale.
Ambientato nove anni dopo gli eventi di ‘Before Sunrise’ (che di per sé aveva un dialogo coinvolgente come punto focale e quindi era difficile da superare), ‘Before Sunset’ riunisce Jesse (Ethan Hawke) e Celine (Julie Delpy), che hanno solo un’ora a disposizione per parlare delle loro vite da quella notte di nove anni fa. Ora sono più vecchi e più saggi, aumentando così in qualche modo la profondità della loro conversazione, e Linklater dà un significato sottile anche allo scenario che li circonda. Anche Hawke e Delpy superano se stessi, portando senza sforzo il tono intimo dei discorsi, forse sostenuti dal fatto che hanno co-scritto il dialogo. Pertanto, quest’ora di conversazione mostrata in tempo reale è coinvolgente come qualsiasi thriller densamente tramato spera di essere.
1. 12 uomini arrabbiati (1957)
Immagina un film girato quasi interamente in un’aula di tribunale limitata, senza nomi di personaggi menzionati fino alla fine e scambiando conversazioni alla fine, e ha solo 12 uomini che discutono se assolvere o condannare un imputato (indicato come “il ragazzo”). La maggior parte di noi non sarà troppo entusiasta prima di guardarlo. Ma ’12 Angry Men’ amplifica il suo quoziente drammatico fin dall’inizio, mantenendo sempre lo spettatore assorto nel suo scontro di personaggi.
Quello che inizia come un caso di omicidio aperto e chiuso diventa presto una storia poliziesca che presenta una successione di indizi che creano dubbi e un mini-dramma di ciascuno dei pregiudizi e dei preconcetti dei giurati sul processo, l’accusato e l’un l’altro. E anche se l’ambientazione non lascia mai l’aula di tribunale, il combattimento delle emozioni umane crude lo rende un thriller affascinante. E anche le performance di recitazione di prim’ordine di ogni persona coinvolta non fanno male. ’12 Angry Men’ è un iconico dramma giudiziario che fa miracoli senza nemmeno avere una sequenza di trama, dandogli così un posto meritato all’apice di questa lista.
